La Escuela Flamenca vivió varios momentos en los cuales, produjo los pintores más destacados del norte de Europa, promovieron el arte de los Países Bajos (Holanda) e influyeron en toda Europa, especialmente en España. La primera escuela flamenca, dio su origen en el siglo 15 y 16 y constituye el gótico-flamenco.
El primer momento a la pintura flamenca se dio durante el gótico, catalogada así como gótico-flamenco. También ha sido considerado como Renacimiento nórdico y prerrenacentista.
Es un gótico con influencias renacentistas. Fueron los primeros en popularizar la pintura al óleo.
El origen en las pinturas de pequeñas dimensiones.
La muchos no firmaran sus obras ya que se les reconocía como artesanos y por eso se desconoce sus biografías.
Los pintores flamencos colocan lo religioso en un mundo muy real demostrando la crudeza de sus obras, obras echas para poner a prueba la fe de los creyentes ya que sus obras ponen a meditar a quien las ve.
“La Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea”
Robert Campin. “La Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea. Estilo gótico-flamenco. El cual refleja el cuidado de la Virgen por el niño Jesús, en realidad es una imagen espectacular ya que contiene gran sentido todos los artículos por así decirlos, la fusión con los elementos del ambiente de gran sencillez domestica, la presencia de un paisaje en la ventana la cual demuestra la jerarquía que tenia la iglesia en aquellos tiempos. Estos pequeños paisajes son muy frecuentes en la pintura flamenca.
“Desposorio místico de Santa Catalina”
Hans Memling.- Desposorio místico de Santa Catalina. Oleo sobre tabla. Virgen y el Niño, rodeados de 8 personajes los cuales son descritos a continuación: Santa Catalina y Santa Bárbara, la primera esta sentada sobre los instrumentos de su martirio, la rueda y la espada y el Niño Jesús le coloca el anillo; la segunda lee tranquilamente al lado de la torre en la cual fue encerrada. La Virgen sentada bajo una pérgola de rosas algo común en el arte alemán. En la obra abundan los detalles el juego de colores la fusión de los mismos sin afectar la armonía de la pintura demuestra que fueron reales maestros de este arte, demuestra que atrás existe una pequeña localidad en la cual sale de nuevo una iglesia.
Jan Van Eyck.- Virgen del Canónigo Van der Paele.
En esta obra se ve reflejado el respeto hacia la religión, se puede apreciar a un sacerdote arrodillado ante la virgen, aun Rey o puede ser un Príncipe, y un personaje de alto rango que se lo puede ubicar por su exuberante vestimenta la cual demuestra poder y riqueza.
La más importante aportación de esta escuela es la utilización del aceite como aglutinante de los colores. El descubrimiento de la pintura al óleo no sólo implicó un enriquecimiento de la paleta cromática y que los colores se hicieron más brillantes, traslúcidos e intensos, se produjo una ilusión de la perspectiva a través de las "veladuras". Estas son capas de pinturas al óleo sobrepuestas que dan la sensación de profundidad, produciendo un fenómeno óptico llamado "trampatojo".
“Poliptico de Gante, o el cordero místico”
Jan Van Eyck.- Políptico de Gante, o el cordero místico.- Óleo sobre madera.
Considerada obra fundamental de la pintura holandesa. La tabla superior central está presidida por la figura de Cristo en majestad, entre la Virgen y San Juan Bautista, intercesores de la humanidad. Una pintura real mente hermosa ya que no solo demuestra gran realidad facial sino que juega con las formas geométricas, Continúan a ambos lados los ángeles cantores y las figuras desnudas de Adán y Eva. En la tabla inferior se representa la adoración del cordero por los habitantes de la ciudad celestial. Una cantidad de personas que podemos encontrar en el cuando, cada una es diferente este arte es de gran perfección.
“La Virgen del Canciller Rolin”
Van Eyck. La Virgen del Canciller Rolin. 1435. Óleo sobre.
Canciller de Borgoña y Brabante se encuentra rezando de rodilla. Gran pintura ya que demuestra gran realismo de los personajes y los escenarios, realmente el escenario parece una fotografía, y en su fondo se puede ver un paisaje hermoso el cual esta centrado por un largo rio el cual demuestra un eje que seria esa barcasa que se encuentra prácticamente en la mitad de la pintura, La Virgen se le aparece con el Niño Jesús, quien lo bendice. En la terraza vemos unos lirios símbolo de la pureza de María.
“El Matrimonio de Arnolfini”
Jan Van Eyck .-El Matrimonio de Arnolfini. 1434. Oleo sobre roble.
“Este asombroso retrato doble atestigua el matrimonio de un rico mercader italiano establecido en Brujas. La pintura esta cargada de simbolismos. Para la época en que se pintó la obra, no era requerida la presencia de un sacerdote en la ceremonia, bastaba la presencia de testigos, los cuales se reflejan en el espejo, posiblemente el pintor sea una de las figuras reflejadas; la única vela en el candelabro representa el ojo de Dios que santifica la unión. El rosario de cristal era un típico regalo de compromiso que el novio daba a su futura esposa, el cristal era símbolo de la pureza de la novia. El color verde representaba la fertilidad; aunque la novia no estaba embarazada, se le dibuja en estado de gravidez para aludir a sus futuros embarazos”.
Realmente la explicación que se encontró de esta pintura es fascínate la explicación de la pintura así que decidí dejarla tal y como esta.
Esta pintura demuestra el nacimiento del niño Jesus, el cual se ve acompañado por varios personajes, lo que mas llama la atención de esta obra, es el sol naciendo a lo lejos, el camino al pueblo el cual esta decorado con arboles desojados, y sin temor a equivocación al final del pueblo es una iglesia, loa mas impactante es la vaca demuestra como tristeza, soledad tal vez el pintor quizá trataba de decir algo con la soledad de este animal.
Roger Van der Goes.- Adán y Eva.
Esta obra ya demuestra la vergüenza del cuerpo humano ya que las partes masculinas como femeninas están completamente tapadas, bueno no me gusta mucho esta imagen ya que esta muy de frente casi no tiene forma y se un diminuto y simple paisaje a lo lejos en pocas palabras no me dice nada esta obra.
El descendimiento de la cruz
Roger Van der Weyden. El descendimiento de la cruz.- La atmósfera de emoción intensa es lo más sobresaliente de esta tabla. Nueve figuras de tamaño natural rodean el cuerpo exánime de Cristo. María se desmaya a la de Cristo. La misma curvatura que tiene Cristo esta reflejada en María, el cuerpo de Jesús es sostenido por José de Arimatea la izquierda y por Nicodemo a la derecha. La cruz de reducido tamaño es simbólica del martirio. Se puede apreciar en sus rostros tristeza gran sufrimiento de ver a su Dios muerto, el escenario no es necesariamente grande para representar la muerte de Jesús.
Roger Van der Weyden.- Magdalena leyendo.-
En esta obra se puede apreciar, de nuevo los pequeños escenarios fuera de la ventana los cuales capturan mas que la misma imagen central, se podría decir que lee la biblia ya que tiene un gran carácter religioso.
Matias Grunewald. La crucifixión
Se ve reflejada la crudeza de la obra con sufrimiento, con sensaciones de dolor los brazos de Jesús, estirados hasta el punto en el que parecen rotos los dedos tan largos como intentando aferrarse de algo.
Hieronymus Bosh Y Mathias Grünewald forman parte, junto a otros pintores del norte, del llamado Gótico Tardío; fueron artistas de principio del siglo XVI
El Bosco destacó como pintor en su época y recibió muchos encargos, incluso Felipe II de España adquirió muchísimas de sus obras.
Su obra es una crítica religiosa, retrata la oscuridad del alma y de una forma irónica da un mensaje moralista, la condena eterna en el Infierno por los pecados cometidos.
” El jardín de las Delicias”
El Bosco. El jardín de las Delicias. Tríptico. Oleo sobre tabla.
En esta imagen se puede apreciar la representación del paraíso en la izquierda, en el medio es mas carnal sexual, lo que trata de expresar, con lagunas gente desnuda edificaciones circulares colocadas en distintos puntos, tal vez el plasmo un sueño que el tuvo, ya que esas edificaciones parecen de fantasía.
El infierno no se ve diferente al que todos imaginamos, lleno de muerte violencia y sufrimiento.
"El carro de Heno"
El Bosco. "El carro de Heno". Oleo sobre tabla. Tríptico. los placeres y las riquezas van en un carro de heno de efímera existencia. El heno representa las riquezas temporales,
En este cuadro se ve reflejada la violencia entre seres humanos por la codicia la envidia, la lujuria el pecado.
El Bosco. La Nave de los locos. Oleo sobre tabla.
La barca donde se come, se bebe y se baila va a la deriva; el mástil es un arbol en el cual se esconde el Diablo. El tema central es la monja y el fraile franciscano que en su afán por comer algo que pende de un hilo no se fijan de que están robándole la comida de la mesa.
La gran mayoría de estos Artistas era representar acontecimientos ocurridos en esos tiempos, pero usando símbolos los cuales eran tan obvios, se podría decir que se tenia dudas sobre los ciervos de las iglesias.
