BAUHAUS

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el socialismo de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.

Arquitectura

El edificio de la Bauhaus (Dessau, Alemania. 1925-1926) de Walter Gropius, es el más emblemático de la Bauhaus, se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. El edificio de la Bauhaus de Dessau, considerada como la obra maestra del racionalismo europeo, tiene una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas de luminosas cristaleras.

La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes grecolatinos. También incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió el modo de apreciación hacia la arquitectura de esa y nuestra época. Algunas de sus más famosas creaciones fueron: El Yvoliette, Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situados en este momento en el museo Madame Tussaud. En su mayoría consta de formas triangulares y rectas que ayudan a apreciar la rigidez del carácter que impuso Lawliette. Sus colores son opcionales, pero generalmente se utilizan tonos marrones y rojos oscuros, aunque hay excepciones como por ejemplo en el famoso Jauquelyn, en el cual se utilizaron colores fuertes en los que predominaba el azul cielo y el magenta.

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.

Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.

SUPREMATISMO Y CONTRUCTIVISMO

El Suprematismo fue lanzado en 1913 en Rusia por Kasimir Malevich, quien sostenía que la pintura debe ser exclusivamente el resultado de los elementos geométricos, rectángulo, triángulo, círculo y cruz, para reflejar, no sólo la esencia material del mundo hecho por el hombre, sino también su anhelo de acercarse al misterio inexplicable del universo.

De Stíjl (El Estilo) fue el nombre de una revista holandesa fundada en 1917 por Theo van Doesburg con el objeto de explicar y extender las tesis del Neo Plasticismo de Piet Mondrian, aunque en ella tuvieron igualmente cabida las doctrinas del Dadá. Los dos pintores mencionados y el arquitecto Gerrit Rietveld - cuya famosa silla en rojo y azul es considerada por algunos autores como el mejor compendio de los principios de De Stijil fueron las figuras más sobresalientes de este movimiento.

Neo - Plasticismo fue un término acuñado por Mondrian para su estilo de abstracción geométrico, en el cual, a diferencia del Cubismo y de su primera etapa pictórica, no hacía uso de elementos figurativos ni siquiera como punto de partida para sus construcciones. Mondrian quien sostenía que el arte debe ser "desnaturalizado", en el sentido de independiente de la naturaleza, y construido exclusivamente con elementos abstractos para escapar al individualismo de lo particular y alcanzar una expresión pura de lo universal- restringió sus composiciones al ángulo recto mediante líneas verticales y horizontales, y sus colores a los primarios y al blanco, gris y negro.

El Constructivismo, por otra parte, fue un movimiento dentro de la escultura abstracta fundado en Rusia en 1917 por Antoine Pevsner y su hermano Naum (Pevsner) Gabo. El movimiento rechazaba -como el Suprematismo- la utilidad social del arte y contradecía la creencia, entonces imperante, de que la escultura debe ser en primer término un problema de volumen y masa en el espacio, proponiendo en cambio un arte en el cual contara el movimiento y se utilizaran materiales contemporáneos en particular aquellos relacionados con la máquina.

Pero no era la abstracción en sí el principal objetivo de los constructivistas sino en las palabras de Aaron Sharf- "la expresión de una convicción fundada en motivos muy profundos, de que el artista podía contribuir a hacer más elevadas las necesidades físicas e intelectuales de la sociedad en su conjunto, estableciendo un contacto directo con la producción a base de máquinas, con la ingeniería arquitectónica y con los medios de comunicación gráficos y fotográficos.

Los constructivistas apoyaron con gran entusiasmo la Revolución de Octubre de 1917 dedicándose a la creación de un arte con similares objetivos, es decir de un arte del proletariado, pero con la Nueva Política Económica de Lenin se puso seriamente en duda la utilidad del movimiento el cual comenzó a perder influencia y a ser remplazado por el Realismo Socialista.

Del Suprematismo, De Stíjl y el Constructivismo tampoco hizo parte en su momento ningún artista colombiano pero es clara la influencia de estos tres movimientos, y especialmente del Constructivismo en el arte del país. La abstracción sólo se inicia en Colombia a finales de los años cuarenta con la obra de Marco Ospina en cuya pintura se va esquematizando la temática de flores y paisajes hasta llegar a composiciones en las cuales el sujeto ya no es reconocible (un poco a la manera de Brancusi aunque con resultados por demás disímiles). La abstracción entendida como en los tres movimientos mencionados, es decir, como la construcción de objetos de arte a partir de formas básicas o geométricas, comenzaría un poco más tarde contándose entre sus primeros cultores Eduardo Ramírez Villamizar, Edgar Negret y Carlos Rojas dentro de la escultura, y Omar Rayo, Fanny Sanín y Manolo Vellojín dentro de la pintura, aunque las obras de algunos de estos artistas se hallan más claramente relacionadas con el Mínimalismo.

ABSTRACCIONISMO

El Impresionismo de finales del XIX, desemboca en unas corrientes emergentes de las dos primeras décadas del siglo XX (Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Pintura Metafísica, Expresionismo, Dadaísmo), posibilitadas por los planteamientos de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, creando un cultivo, que va a conducir a unos planteamientos pictóricos radicales. A estos movimientos y tendencias se les denominará Abstraccionismo o Pintura Abstracta.

La abstracción lírica o cromática.
Es la que se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky.
A esta forma de abstracción tambien se la denomina cromática teniendo como representantes más destacados a Kandinsky y Delaunay.
La abstracción geométrica esta, por el contrario, utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada.

Casimir Malevich (1878-1935) influenciado, primeramente, por el Fauvismo y, en un viaje a París, en 1912 se pone a la cabeza del Cubismo ruso. A partir de aquí tratar de alcanzar una pintura no objetiva, liberada de toda sensación asociativa, a este proceso le denomina "Suprematismo" que según palabras del mismo Malevich, viene a definirlo como "la supremacía de la pura sensibilidad".... "El suprematismo comprime toda la pintura, reduciéndola a un cuadrado negro sobre tela blanca"...."Su expresión es el plano negro en forma de cuadrado". De esta forma nació la Abstracción geométrica, que Mondrian conduciría a sus más altos exponentes.

Piet Mondrian (1872-1944) había sido discípulo de Picasso y, tras el conocimiento de la obra de Malévich, adoptará una fórmula que seguirá toda su vida: compartimenta el cuadro en espacios rectangu­lares o cuadrangulares, separados por gruesas líneas negras de perfecta horizontalidad y verticalidad, y rellena los compartimentos con colores, generalmente simples y homogéneos.

EXPRESIONISMO

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo influencia en: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.

El expresionismo puede ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendío la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–.

Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal.

FAUVISMO

El arte del siglo XX se caracterizo por estar conformado por múltiples corrientes llamadas ismos. Casi todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, se relacionan para dar paso a una nueva.

La Revolución Industrial y los grandes adelantos de la técnica ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX.

Los filósofos aportan con sus teorias reveladoras. Hay vanguardias que no se pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorias.

El Fauvismo se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. 

Se apega a la libertad total de la naturaleza.
Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. 

El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen.

Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. artista fauvista, deja fluir su
intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva.

Su estilo pistórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es
decir, utiliza colores que en la realidad no existen por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.